Le corps humain dans l’art

Le corps humain a toujours été une source de fascination pour les artistes à travers le temps, la géographie et les cultures. Bon nombre des plus anciens artefacts classés aujourd’hui dans la catégorie « art » représentent la forme humaine ou témoignent de sa présence, et les artistes ont continué à se pencher sur le sujet jusqu’au postmodernisme et au-delà. Le pouvoir de l’image humaine est tel que sa représentation dans l’art a scandalisé les spectateurs et a même été interdite tout au long de l’histoire, tandis que la société continue de débattre de la question de savoir quelle image doit être commémorée dans l’art, et comment. Nous vous proposons ici une visite guidée du corps humain dans l’art.

Les origines antiques et le divin

Bien que certaines des premières peintures découvertes par les archéologues représentent des animaux tels que des bisons, beaucoup sont formées de simples pochoirs qui utilisent la forme humaine et la capturent pour la postérité, comme la plus ancienne peinture rupestre actuellement connue dans la grotte de Maltravieso, en Espagne, qui daterait de plus de 64 000 ans. Des milliers d’années plus tard, la figurine d’Ain Sakhri, créée il y a 11 000 ans en Israël, représente les corps enlacés d’amoureux, tandis qu’un certain nombre de figurines humaines hautement stylisées ont été conservées dans l’ancienne Chypre, produites vers 3900-2550 avant notre ère.

En l’absence de documents écrits, les archéologues et les historiens de l’art ne peuvent que spéculer sur le but et l’inspiration de ces objets, bien que dans de nombreux cas, une utilisation rituelle ou spirituelle soit suggérée. Bien des siècles plus tard, en 1721, le philosophe français Montesquieu déclarait : « Si les triangles faisaient un dieu, ils lui donneraient trois côtés », et pendant des millénaires, lorsque les artistes ont représenté leurs dieux, ils leur ont donné une forme humaine. Dans la Grèce classique, les dieux de l’Olympe étaient représentés dans des corps humains imposants et parfaitement proportionnés, bien qu’à une échelle monumentale, tandis qu’à de nombreux moments de l’histoire du judaïsme, de l’islam et du christianisme primitif, la représentation de corps humains dans l’art a été activement découragée, car elle pouvait encourager l’idolâtrie.

Du corps humain idéalisé à la souffrance sacrée

Dans la Grèce classique, une célébration du corps humain idéalisé – mais mortel – apparaît également, les sculpteurs capturant le corps (souvent masculin) engagé dans des activités athlétiques. L’habileté avec laquelle les sculpteurs grecs, et plus tard romains, ont représenté la forme humaine a été égalée par la beauté des corps qu’ils ont choisi de représenter, et est restée la norme à laquelle les artistes ont aspiré tout au long de la Renaissance et au-delà.

Avec le développement du christianisme, cependant, le corps dans l’art est devenu un lieu de souffrance et de piété. Contrairement aux dieux grecs invulnérables, la figure du Christ a offert aux artistes la possibilité de représenter un sujet divin qui a également souffert des blessures de la crucifixion. Le tableau de Mantegna de la fin du XVe siècle, La Lamentation du Christ, par exemple, met l’accent sur la perfection physique de son modèle, tout en soulignant les blessures qui lui ont été infligées, et le sacrifice que le Christ a fait pour l’humanité. De même, de nombreux artistes ont choisi de beaux modèles humains pour représenter les saints et les martyrs chrétiens, dont la souffrance et le sacrifice pour leur foi sont représentés par des organes désincarnés tels que des yeux ou des seins que les saints tiennent en l’air, tandis que leurs corps semblent rester joliment intacts.

Le corps comme nu, et comme toile

Aucune discussion sur le corps humain dans l’art, aussi brève soit-elle, ne serait complète sans une analyse du « nu » dans l’art. Avec l’intérêt croissant pour la culture grecque et romaine antique à la Renaissance et la découverte de statues antiques, les artistes ont continué à être fascinés par la forme humaine. Au XVIIe siècle, la représentation du corps nu, souvent dans le cadre de la peinture d’histoire, était devenue une compétence essentielle à maîtriser pour les artistes, et le dessin d’après nature reste aujourd’hui un élément important de la formation des artistes. La représentation du corps nu dans une peinture ou une sculpture était considérée comme élevant le sujet au rang de « nu », et la charge érotique offerte au spectateur était considérée comme transformée par le coup de pinceau de l’artiste, élevée au rang de recherche intellectuelle et culturelle.

Un fait révélateur

Il est toutefois révélateur que les membres fondateurs féminins de l’académie aient été exclus de ses cours de dessin d’après modèle vivant et, compte tenu de la relative rareté des femmes artistes dans la majeure partie de l’histoire de l’art occidental, il n’est pas surprenant que, pour le critique d’art John Berger, seule une poignée de tableaux de la tradition picturale européenne représente véritablement une femme telle qu’elle est, plutôt que comme sujet du regard ou du désir masculin. (Un exemple fascinant d’une peinture qui dépeint une femme à la fois comme elle-même et comme sujet de désir est cependant offert, qui transmet la beauté, la vulnérabilité et la détresse de son sujet).

Au milieu du XXe siècle, cependant, un certain nombre d’artistes de performance ont commencé à récupérer la forme féminine dans l’art, en utilisant leur propre corps à la fois comme sujet et comme moyen, et comme outil pour défier les normes politiques et historiques de l’art, souvent sous le dégoût et l’opprobre du public. À l’aube du XXIe siècle, la représentation du corps féminin nu dans l’art continue de susciter la controverse et le débat.